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《绘画色彩学》读书笔记

Written by Vam Zhang; Thursday, May 24, 2018

前言

本书为马佳伟老师推荐。作者李天祥老师在1985年以前任央美油画系二画室主任，后至上海大学美术学院出任院长，1928年生人；作者赵友萍老师是前央美油画系二工主任，1932年生人。

我在2018年3月通读第一遍，5月完成了第二遍的研读，几点感受：

  • 本书归纳总结了绘画色彩的概念和规律，给出了实践方法，值得结合个人绘画经验思考与实践；
  • 本书结构清晰，逻辑缜密，信息量大，下面的思维导图给出了章节、知识点间的关系。美中不足是因排版、用词等原因会造成阅读体验不很顺畅，这也是做笔记梳理的目的之一。
  • 本书中有很多画作分析，十分有意义。分析别人的作品就是对自己的观察和思考能力的训练。我记得研究班的时候石煜或是冯杰老师说过：一个美术鉴赏能力强的人拿起笔来画也差不到哪去。欣赏与分析别人的作品应是艺术家的重要日课。

画画是实践在先的，进行理论的分析是为了更有效的提高绘画技能，脱离了实践的“文字技法”本身没有意义；而看完了书该怎么画还怎么画也就失去了理论研究的指导意义。所以本书的正确打开方式应该是画画看看，看看画画。

在读书的过程中引发了我很多的发散思维，全都写在笔记里，欢迎大家和我讨论。

心中画，纸上画，知行合一。

书籍信息

《绘画色彩学》

  • 李天祥、赵友萍 著
  • 天津人民美术出版社
  • ISBN：7-5305-0590-4

版权说明

笔记中引用了大量书中原文与图片，其版权归作者和出版社所有。
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图例说明

黑色字 – 书中内容的转述

蓝色字 -- 我的批注

引用 – 原文引用

知识结构

概述笔记

一、绘画与色彩

绘画中，色彩不能独立存在，不能过分夸大色彩的作用–形色结合服务于创作内容。

二、色彩规律是可知的

色彩能力并非天赋，色彩能力可以习得，色彩规律可以研究，并且可以通过迭代提升色彩学的整体水平。

三、色彩学中的一些术语

1. 光源色、固有色、条件色

颜色如何产生：光学角度，物体呈现不同颜色是由于光源照射的结果。由于物体的质地不同，它吸收一部分色光，再反射一部色分光，反射出来的色光就是我们看到的物体的颜色。全反射呈现白色，全吸收呈现黑色。三棱镜分出七色光。

自己买了三棱镜，分出七色光，通过观察发现其亮度与纯度非常之高。

光源色：光源的颜色。

固有色：物体在白光之下所呈现的颜色。它是人们对物体颜色形成的普遍认识，物理学上可以否定固有色，生活和绘画中不能否定固有色。

条件色：在不同光源、环境的条件下，物体所呈现的色彩。

固有色和条件色之间的关系是“统一 + 矛盾”：每一对象的固有色用以区别其它对象颜色；每一对象受到特定环境下光源色和环境色的影响以条件色的面貌呈现。

原文中乒乓球的例子很好--为什么乒乓球以条件色呈现，但却不会让人觉得它是花球而仍然是白球，可以设计实验与课程。

2. 色相、明度、冷暖（色彩三要素）

原书中用词为“色相、色度、色性”，为统一词汇便于理解，概述笔记中一律用上面标题中的三词。

色相：色彩的外相，是在不同波长的光照射下，人眼所感觉不同的颜色，如红色、黄色、蓝色等。–此解释出自维基百科

色光三原色：红（Red）、绿(Green)、蓝(Blue)，色光三原色混合时为白光。 物体三原色：品红(Magenta)、黄(Yellow)、青(Cyan)，物体三原色混合后为灰黑色（理论为黑色，实际达不到）。

书中物体三原色的原词是：玫瑰红、柠檬黄、青蓝

明度：明暗深浅。

色彩三要素：色相、明度、冷暖。

原文中把饱和度归为装饰色彩学范畴，但根据HSV模型，饱和度属于确定一特定颜色的指标之一。由于本书主要研究写生中的色彩应用，故可以理解这种定义方式，且后面的实践方法中会沿用此“色彩三要素”的定义。

冷暖：色彩的冷暖倾向。来自人们的生活感受：红、橙、黄等使人联想起火、灯光、阳光；蓝、绿、紫联想起冰、水、霜、雪。

我们可以概括说色环上一半冷，一半暖。但是注意冷暖是一个“相对比较结果”，不是颜色的绝对属性。

3. 补色、间色、复色

补色：色环上180度角两端的一对颜色。二者混合为黑灰色；二者并列对比强烈，呈不和谐。

一次色：红、黄、蓝。即，三原色。

二次色：橙、绿、紫。即，三间色。二次色较一次色柔和。
三次色：二次色基础上进一步邻近色相混产生六种三次色。
复色：任何两个间色和三个原色混合生的儿子。

一、二、三次色都是太阳光谱色，不易与其他颜色谐调，即常说的“怯”和“生”。

4. 色调

素描中的色调（调子）：对象的亮、暗、灰面。调子不统一画面就“花”。

王汉英老师讲过，实际绘画中，可将灰部归纳至亮部，即要画的“整”。

色彩中的色调：不同对象上笼罩着的特定色相、明度的光源色，结合物体固有色所产生的统一的色彩倾向。色调在写生中起色彩支配作用，色调不统一就乱。

色调种类：

  • 按明度分：亮调子、灰调子、暗调子；
  • 按冷暖分：冷调子、中间调子、暖调子；
  • 按色相分：紫调子、绿调子、红黄调子等。
  • 在实际的写生或创作作品中，以上三者是结合者表现出来的。

一般情况下色调的确定以主要光源为转移：早晨、太阳落山，浓密森林中，细雨蒙蒙江面……其色调各自不同。

右玉写生时王汉英老师强调过：画出早晚之颜色不同。

复杂情况下，色调要在主观上定出主次：光源色强烈依靠光源色定调，白光情况下以对象主要色块定调，复杂情况下主观判断主次定调，目的是要达到使画面是一个有主有次既有矛盾又统一于一个和谐的整体，使人感到丰富多彩又和谐一致。

第一二三章主要讲基础概念

四、两种色彩学与两种观察方法

第四五章讲基本规律

1.条件色观察方法的特点

“四固定”前提：光源固定、环境固定、对象固定、作者固定。

“四固定”优点是可还原特定环境下色彩关系；缺点是特定环境场景范围大小受限。

但画家通过“四固定”写生练习，是在培养在理性层面能够控制“条件色”的能力，然后再用这种能力去创作。

思考点：人们所能感知的所谓的“正确”的色彩关系，是有内在规律的。由此可推论：把规律抽象成为逻辑，然后按逻辑赋予不同色彩组合，看起来依然谐调。例如郭永文老师的“黑风景”。

思考点：有没有系统性的大规模取样或者研究？这是否属于“有限范围里完全信息的博弈”?

2.固有色观察方法

弱化环境色特点，根据记忆和经验（基于大量写生经验）作画，符合大脑归纳思维特点。

石煜老师说：“你看齐白石后来画的虾都跟老神仙似的！”

五、条件色变化的一般规律

1.色彩冷暖变化的规律

白马的例子：白马亮面色彩的变化与光源色联系着，暗面的色彩变化与其周围环境的色彩变化联系着。

色彩冷暖变化一般规律表

本节讲述的是色彩冷暖变化的基本规律。 在条件不同的环境下，运用这些基本规律，便不难找出物体色彩的的冷暖关系变化。

一般规律与和个别经验：一般规律适用于一切条件之下；个别经验只有在特定条件下有效。

一个个别经验的例子：室内色彩关系是亮面冷，暗面暖；室外则是亮面暖，暗面冷。

残像效应(Afterimage)：“物体的亮面和暗面呈补色关系”

“残像”英文叫"Afterimage"，有待深入研究：https://en.wikipedia.org/wiki/Afterimage

2. 色彩强弱变化的规律

  1. 距离越近色彩越强，越远越弱；
  2. 明度相同、距离相同，暖色原色强，冷色原色弱；暖色原色比复色强；色彩越接近原色越强，反之则弱，灰色最弱。
  3. 几组颜色在一起时，色彩黑白、冷暖对比越大的越强，越小的越弱。
实践点：“旗帜”的例子好，要设计实验。

六、条件色观察方法的四个要点

第六章讲绘画时观察与思维实践方法

1. 要整体观察切勿孤立观察

孤立观察：死盯一处，感觉和对象色彩已经完全一致却不像；死盯一处，越看颜色越多。

我在画人脸中间调子的时候有过明显的经验--感觉又冷又暖，改了一遍又一遍。
实践点：绘画中分辨自己的观察方法，一旦陷入局部观察马上提醒自己跳出来。

整体观察：一定光源、环境的条件下，把对象、环境的各种不同的色彩之间的相互关系，经过正确的比较确定下来。

重要的是现在脑中建立这些条件的意识，然后带着这些意识去做具体的分析。

重要的是“色彩关系”。

画的不是颜色是关系--这句话也是不止一次听王汉英老师讲过，这里给出了比较明确的解释。

2. 要概括，不要照抄

照抄：颜料中最浅（最亮的）到最深（最暗的）色之间的色差比自然中实物的色差要小得多；即便对象颜色在颜料明度范围内，追求局部绝对相同也无法表现特定时空的复杂的条件色。

概括：把自然界的色差范围（从明至暗、从冷至暖）按其比例关系收缩在画面之中–这就是，看关系、画关系。

比例相同：要画三件物品，其明度差别比例是2：6：10，以10为最亮，我们没有亮度为10的颜料，便可缩为1：3：5。

实践点：创造明度、色调、冷暖相差非常多的场景，尝试作画。

3. 要分析理解不能单靠感觉

文中几个很不错的“违背直觉”的例子：太阳落山的天空，顺光时的蓝点，逆光时的白云，逆光时的天空。

“感觉”是主观的。引出“先天直觉”与“后天直觉”的概念研究。专业人士经过长期训练获得“后天直觉”。后天直觉是人类可以培养的能力。“感觉”这个东西并非不靠谱，而是你必须是这个领域的专家。因为专业人士长期从事这个行业，有大量的知识积累和实践经验积累，而对于初学者，感觉之所以靠不住，是因为初学者依托的是更多的以往的思维惯性。 详见“得到APP:李笑来，2017-3-30”，关键字“专业人士”；和“得到APP：王煜全 2017-05-6 前瞻性思维”，关键字“后天直觉”。

印象派早期的理性探索：引用谢甫列尔和格尔姆格尔兹的著作。

既有一般性又有特殊性：违背了一般性规律就不能引起人们的共鸣，没有了特殊性就失去了生动丰富的感染力。

上文中的“特殊性”的存在，我从数据的角度理解是数据量过大，人们的大脑运算模式不能够全部采样并找出其内在规律。假设可以收集到足够多的数据，理论上就可以分析出更多的细化的内在联系和规律。数据量和处理模式的问题。
我们分析理解的过程是在控制感觉，是建立对色彩的宏观的认识。

4. 正确运用分析、比较的方法

“正确地分析、比较方法”这一节，给出了一个思维模型，即色调、明暗、冷暖是观察分析中三个重要的因素，绘画过程中他们的先后顺序和权重是怎样的，之间的关系是怎样的。

（1）比色调

第一步，比色调，是针对与整幅画面的**大关系**来的，即，定调子。

色调是一幅画的色彩指挥，即使局部色彩很好，如果调子乱了，也会使全盘失色。

确定主调并确定各调子之间的关系：针对两个或以上调子并存的对象，要确定主调是哪个，以及画面上同时出现的几种调子之间的关系。

例子，早晨阳光照耀下的景物：

  1. 亮面统一在暖调子当中；
  2. 暗面受天光影响统一在冷调子当中。
亮、暗面调子需要分别各自统一

如果整个画面关系正确，以亮面暖调子为主调，画面便呈现晨光柔和和温暖的气氛； 如果以暗面冷调子为主调，画面便呈现早晨清爽的感觉。

培养记忆能力是为了更全面的比较不能同时出现的色调。

光源色倾向明显时（早晨与黄昏），易于掌握色调；光源色倾向微弱时，固有色成为主导，写生的时候选景很重要，道理同摆模特。

根据具体情况具体观察分析，没有任何一种关系可以作为固定模式，更不能束缚观察、感觉和鉴别能力的发展

案例分析

从此处开始有“案例分析”。整本书中所有的“案例分析”都需要认真阅读，理论不能脱离实践，绘画是先有手、眼才有理论的。看完案例分析会有恍然大明白的感觉。而且，通过本书，我认为画作分析是个人绘画精进的必要日课。
精读笔记中除了书中的例子，也有两张我自己的找的范画的分析。

（2）比明度–区分黑、白、灰层次

根据自己的主观理解，将对象的无数层次压缩到最少层次：三至五层；并确定各层明度距离关系。

黑、白、灰色层不等于明暗面：比较明度分色层，实际上是将明暗与固有色的深浅全纳入色彩明度的轨道去统一比较的。

例子：

  • 白色的衣领暗面往往只是灰色层，
  • 头发的高光往往仍是深灰色层，
  • 脸部的亮面也不一定是白色层。

（3）比冷暖

相对于第一步比色调，这一步比冷暖指的是细节

冷暖问题是写生色彩的精华。

作品远看大效果取决于调子和黑白灰；近看细节生动取决于冷暖。

作画时要在确定了黑、白、灰关系的基础上做冷暖的比较，才不会导致产生繁琐、灰暗、混乱的被动局面。

冷暖变化也要尽量归纳到相对少的数量。

以黑白灰分析为基础，在同类明度的色层中进行冷暖的比较。即：黑色块与黑色块相比较，灰色块与灰色块相比较，白色块与白色块相比较，这样来确定它们之间的冷暖关系。

再次想起马佳伟老师的那句话：同明度的前提下，颜色不同就不会显得乱。极具实践指导意义，茅塞顿开。

明度不同的色层，没有必要比冷暖

（4）比色相

比色相时往往不自觉的进入到固有色的观察方法，所以条件色观察方法一般不比色相，只有在明度相同，冷暖也难分时才用色相来区分。

六句总结

总色调记在心，
分层次要认真，（指黑、白、灰关系）
同等明度比冷暖，
冷暖相同色相分，
整体观察精概括，
突出特点见精神。

七、条件色规律在写生中的应用

理论要应用于实践，掌握条件色最好的手段是写生。

只有经过自己亲身观察、分析、实践才能更深入的理解别人的作品。

我自己深有体会，当有了实践，再加以理论知识，去看画展的时候，感觉能够“看懂”别人的画了，能够看懂作者的用色意图。最近一次最深的感受就是在看“生在北京”展，对几位先生在表达光线的手法上感觉能够看懂了一点点。
这里给出了色彩训练的顺序：习作性风景和静物训练，然后静物、人像慢写，然后……

1. 色彩速写的选材

习作性速写

主要目的：训练色彩基本观察方法与表现方法。
选材：风景和静物。
风景和静物对“形”的要求，都不像肖像那样严格，所以可以将主要注意力集中于解决色彩规律的问题上。
选景上，先易后难，循序渐进，每次选择不同类型的光源环境。
从光源来说，早晨、黄昏、阴天的色调明确、统一，易于掌握；
从对象来说，初学者最好选择景物造型简单的对象，如田野、水库、道路、简单村落等等。

主题性速写

需要有一定的构思意图，它带有一定的创作性质。

素材性速写

根据创作需要进行的专题性的写生。

2. 色彩速写的步骤

步骤方法上不能强求一律，不是死记硬背某个具体方法，而是明白了采用这种、那种方法的道理，了解他们的利弊，以便根据不同情况灵活运用。

不同作画步骤背后的统一目的：迅速区分对象的色层。

一种较为简易的画法的详细介绍，详细看精读笔记图文对照，这里总结出关键步骤：
第一步，选景、打轮廓，然后定调：即，在脑子里归纳出对象的色调特点，构成对整个画面的色调约束。
第二步，明确明度层次，实践于画布。搞清画面上对应于对象的黑、白、灰色层间的明度距离。在铺同明度色层的色块的时候，就要注意不同位置的冷暖差异，并表现出来。
第三步，调整。再回到大调子的角度观察。

3. 不同时间条件下不同调子的特点

色彩速写，重在以色写神。

一系列案例分析，图文并茂，需要安心慢读。因为对照画面的分析带来的是感性理解，文字的抽象归纳不能替代其效果。

早晨和黄昏的区别：一种典型情况是，色彩特点上，早晨阳光偏冷黄或冷红，黄昏则偏桔黄。

变化总是有规律可寻，但规律决不能代替实践

4. 人像慢写

2-4个小时完成。实则也不慢。要求造型和神态表情上的严格性与生动性，必须兼顾形、色、神。

人像慢些是在生活中收集各种人物形象的一个重要手段。

（1）对象的选择

造型艺术，如何表现人物是内容与形式的统一。

（2）立意

写生虽然是对照对象（不同于肖像创作），但也需要立意–即作者对被描绘对象的认识、理解与判断的形象体现。

这里回想起马佳伟老师上课讲的--写生也要按照创作的角度去思考。

每次作画都应该是两张画：一张画在心中，就是所谓立意；一张画在画布上，是心中画的具体体现。

心中的画设计得好，落笔才能生动，才能从全局较好地把握对象，有条不紊描绘出形、色、神兼备得作品。

这里提出了一个非常重要的概念，即“心中画 vs 布上画”。因为画画其实是“知行合一”得特别好的试验场。卖油翁，徐以杓酌油沥之，自钱孔入，而钱不湿，我亦无他，唯手熟尔！--这是心熟呢？还是手熟呢？以上这句话描述的状态，需要大量的练习。心中画可谓“知”，手上画可谓“行”，知行合一。我亦无他，唯手熟尔！

（3）作画的具体步骤方法

具体参看图文对照的详细内容，此处列出部分重点。

第一步，根据立意确定构图，起轮廓。

这需要素描的造型训练，才能迅速抓住特点。比如头部结构、颈部和头的穿插关系、肩膀得宽度要画出来，等。
“先起大关系”是听了无数遍的话，很多老师都讲过，但是脑子里一直没能明确这个阶段得两个目的：1.确定大色调；2.确定黑白灰关系。

虽然不够准确但却可以迅速排除底色的干扰，使画面尽快变成色彩关系组成的空间，以便进一步深入刻画

所以铺大关系一定要达到这一步的目的，就是使画面变成色彩关系组成的空间，否则就没意义。

第二步，用油色调整大关系。

大量应用“同等明度比冷暖”的步骤。

第三步，重点深入刻画细部。

重点刻画是不能够平均对待，而是要重点抓住最能传神的部位深入刻画。

深入刻画的过程是形色密切结合的过程，重视形是指不能只看色彩变化，要明白色彩变化与形体变化有相联系的地方，也有不相联系的地方。用色彩造型正是要抓住相联系的地方，使形色统一。

以上是个重点--作画时要主动观察，哪些是形色结合的部分，哪些不是。是的地方可以强调。

最后一步，全面调整

石煜老师上课说过，一旦你发现自己陷入了细节，就会出现问题。

不同性格不同肤色的肖像慢写参考：案例分析

案例分析

5.脏、生、粉、灰、暗五病

脏、生、粉、灰、暗的总体原因都是因为大的色彩关系不对。
灰、暗主要因为黑、白、灰处理不当；
脏、生、粉因为色度处理不当、冷暖关系和色相变化关系不对。

实践点：精读笔记中有详细描述，自己做作品分析和错误尝试。分析自己的画作的问题，这个步骤非常重要，是自我精进的关键。

八、条件色规律与创作

1. 色调与情绪的联系

色调是客观存在的，它本身并不具有什么情绪。一种色调所体现的情绪总是伴随着具体的时间、地点、条件和事件所产生。情况变了，一种色调就可以体现不同的情绪。

思考点：人的情绪分类有多少种，心理学界有分类么？

2. 色调与创作

经过一定的写生训练，掌握色调是较容易的，但在创作中自如地运用色调是很难的。要掌握这种能力需要大量练习：写生、记忆画、心中观察比较。

心中画和纸上画恰好对应于最近在群里聊的“知”和“行”。心中能够构思到多细致，这来自于画的经验积累。锻炼“知”与“行”融入日常就会有好的效果。例如我在一开始学习人像素描的时候，在街上看到人，就会在脑子里观察并解读他的面部特点到几何体面。
案例分析

  • 暖亮调子表达欢快情绪：在和平的原野上–梅利尼科夫 (On Peaceful Fields by Andrei Mylnikov)

  • 暖亮调子表达燥热的令人窒息的情绪：伏尔加纤夫–列宾 （Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin） 作者把两幅暖调子的画放在一起比较分析，这种方法特别好。这可以看出相同色调的不同应用。这两幅画虽然都是暖调子，但传达的情绪一个天堂一个地狱。如果问为什么同样的色调可以传达不同的情绪，仅从画面分析，那么就是画面内容给人带来的不一样的联想，特别是人物的姿态、表情。所以说色彩、造型是服务于立意的，并不是说谁比谁重要，但单从顺序来讲，你的构思是第一位的，有了构思，就可以思考用什么样的形与色表达能够达到最好的效果，那这就是个技术问题了。

  • 暖亮色调表达悲哀：曹雪芹故居–李天祥

  • 暖亮色调表达贫苦：晚祷–米勒（The Angelus by Jean-François Millet）

  • 冷灰色调表达凄凉忧郁、沉闷压抑：弗拉基米尔路–列维坦 (The Vladimirka by Isaac Levitan) 在观看这张画作的的时候，能感觉到它的色调、构图传达了忧郁与压抑的感觉，单从画面本身来讲，冷灰色调的应用非常的到位。而弗拉基米尔路有其在当时历史背景下的符号性的象征意义。所以了解了这条路的故事，再加上画面的处理，就会形成两个维度的感染力的作用而产生的平方级别的效果。创作基本上是不能脱离当时的时代背景的，所以说在欣赏作品的时候要了解时代，了解作者，才能更好的理解作品。反过来讲，一个历史阶段，它是政治、军事、科技、文化艺术多方面共同组成，同时还原这些不同的方面才能够看到更全面和立体的历史阶段。

  • 冷灰色调表达美丽、和谐、富饶：水乡小景–古元

3. 黑、白、灰布局与冷暖布局在创作中的应用

一张色彩创作的整体效果包括两部分：

  • 画面中造型形成的大的形式感；
  • 黑白灰色块和冷暖色块相结合在画面上形成的大的形式感。

“形式感”来自于生活。

举例说明，案例分析
色彩构图的应用就是通过黑、白、灰、冷、暖、温色块的组合与对比，产生主、次、虚、实、节奏、韵律进而创造出不同的意境。

4. 色相与情绪的联系

色相和色调一样，都是客观存在，它们本身并不具有情绪或感情。
们之所以对某些颜色产生较复杂的联想，是因为生活中某种颜色经常和某种形象、物品、时间、条件联系在一起的缘故
颜色引起的情绪以及它的象征性不是孤立存在的，总是与一定的时间、地点、条件、对象关联。因此它不是神秘的，但它是极其丰富和不断发展的。
颜色所引起的情绪不是一成不变的，随民族不同而不同，时代改变而改变，不同阶级有不同理解。

5. 色相的对比与和谐

色相的谐调、不协调、对比强烈、刺激、柔和等，这些感觉属于生理现象。

甲乙分别具有两种色相的物体，同等程度的吸引了我们的视线，使我们在观察这个对象时不能产生自然的次序感或统一感，而是应接不暇，不知道看哪个好，这就造成了一种不协调。

同调和谐：色盘上一半是从暖红到暖绿的暖色调，一半是从冷红到冷绿的冷色调，他们相互间是比较和谐的；
邻色和谐：同调色中相邻的两色也很和谐，这属于邻色和谐；
同类色和谐：同一色相从深到浅也较和谐，这属于同类色和谐。这种和谐最柔和但却较单调。
对比色和谐：色盘上距离较远，但又不是180度相对的一对颜色是对比色和谐。它既和谐又醒目，但不容易选择。

把不和谐变为和谐的方法：

  • 两种不和谐色块，面积不同、一大一小，就造成主次分明而感到和谐。
  • 用黑、白、金、银将不和谐色块分开，也会感到和谐。比如，京剧服饰、织锦、景泰蓝。因为黑白二色与各种颜色都和谐；金银如同一暖一冷亮面镜子，和某类颜色在一起就会受到该颜色影响，所以也和任何颜色都和谐。

6. 色相、色块组合与创作

欣赏和批评作品，本身就是一种从理性层面对艺术的认识
案例分析

九、条件色与技法

本章涉及到艺术史与艺术形式沿革话题，只做简单记录。相关话题的深入讨论不在本笔记范畴之内。
作者对这些画作的批评有他们所在的时代特点与局限性，但这也恰恰反映了不同年代人们的价值观与观察角度的不同。在以后做画作不同年代的分析时，本书的评论会非常有代表性。

波提切利的线描填色技法
先“形”后“色”的古典画法
伦勃朗的透明画法
先“色”后“形”的画法
印象派与运用色点、色线、色束的技法

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